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Image : Musée du Centre national d’art Reina Sofía

Le Musée Reina Sofía présente la plus grande rétrospective de Fernanda Laguna à Madrid

Le Musée du Centre national d'art Reina Sofía de Madrid accueillera l'exposition « Mon cœur est un aimant » du 3 mars au 12 juillet 2027. Il s'agit de la plus importante rétrospective à ce jour consacrée à l'œuvre de l'artiste, poétesse et militante argentine Fernanda Laguna (Hurlingham, 1972). Co-organisée en collaboration avec le Musée d'art latino-américain de Buenos Aires (MALBA) et sous le commissariat de Miguel A. López et Mariano Mayer , l'exposition occupera le rez-de-chaussée du bâtiment Nouvel et offrira un panorama complet de plus de trente ans de sa carrière artistique.

Une pratique indisciplinée qui remet en question les canons du marché de l'art

Depuis ses premières œuvres en 1992, la production de Fernanda Laguna se caractérise par un brouillage des frontières entre arts visuels, littérature, militantisme féministe et autogestion d'espaces alternatifs. L'exposition réunit un ensemble multidisciplinaire d'œuvres comprenant peintures, dessins, collages, broderies, sculptures, installations et pièces audiovisuelles, accompagnées de ses carnets de croquis emblématiques, de ses recueils de poésie, de ses romans et de ses archives photographiques personnelles.

Laguna a joué un rôle central dans la fondation, à la fin des années 1990, de l'espace alternatif et maison d'édition légendaire Belleza y Felicidad , véritable carrefour de la scène artistique de Buenos Aires. Belleza y Felicidad a décentralisé les circuits de validation traditionnels et favorisé l'émergence de réseaux affectifs et communautaires. Sa démarche déconstruit la solennité de l'art contemporain formaliste, plaçant l'affectivité, le jeu et le quotidien au cœur de sa démarche comme outils de transformation politique et pédagogique.

Impact sur les collections et les institutions en Espagne

L’arrivée de cette rétrospective dans la capitale espagnole confirme l’intérêt institutionnel et la pertinence constants portés aux généalogies de l’art latino-américain du XXIe siècle, reliant ainsi la scène artistique madrilène aux tendances internationales en matière de recherche curatoriale et à la valorisation des archives féministes. Pour l’écosystème de l’art contemporain et du collectionnisme en Espagne , ce projet réaffirme l’importance d’intégrer les langages hybrides et les dynamiques communautaires au sein des grandes collections publiques et privées.

2027-03-03

Image : Musée du Centre national d’art Reina Sofía

Le musée Reina Sofía analyse l'art de la Transition avec le parcours « Collection60 : Transitions. Art, fin du franquisme et démocratie » à Madrid.

Le Musée du Centre national d'art Reina Sofía de Madrid présente le programme de visite guidée « Collection60 : Transitions. Art, fin du franquisme et démocratie », une visite de 60 minutes au quatrième étage du bâtiment Sabatini . Cette activité propose une analyse critique des transformations esthétiques et politiques survenues en Espagne entre la fin du régime franquiste et la consolidation de la démocratie, en s'appuyant notamment sur la réorganisation de l'exposition permanente « Collection. Art contemporain : 1975-Aujourd'hui ».

Une analyse historiographique des fissures créatives entre le franquisme tardif et la démocratie

L'exposition remet en question le récit homogène de la transition espagnole en mettant en lumière les contradictions et les désaccords qui transparaissent dans la production artistique de l'époque. Les œuvres sélectionnées couvrent la période allant du début des années 1970 à l'émergence de la culture underground et de la Movida Madrileña des années 1980, avec une attention particulière portée aux artistes associées à la deuxième vague du féminisme en Espagne.

À travers des disciplines telles que la peinture, la photographie, l'installation et l'art graphique engagé, l'exposition contextualise le rôle de l'art espagnol contemporain dans la construction de nouveaux imaginaires démocratiques et son impact sur la valorisation du patrimoine artistique sur le marché de l'art actuel. Des œuvres majeures d'artistes et d'historiens ayant joué un rôle central dans la scène des arts visuels du dernier quart du XXe siècle y sont analysées.

Informations sur l'accès et le développement des visites

Les séances se déroulent au point de rencontre situé au 4e étage (Alhacena) du bâtiment Sabatini , dans la limite des places disponibles. L’entrée est gratuite avec le billet d’entrée au musée. Par cette initiative, le musée Reina Sofía réaffirme son rôle de recherche et d’intégration dans la promotion de l’art contemporain de la capitale espagnole.

2026-10-15

Le festival Revela't 2026 transforme Vilassar de Dalt en capitale internationale de la photographie argentique contemporaine.

Le festival international de photographie argentique contemporaine Revela't célèbre sa quatorzième édition du 1er au 18 octobre 2026 à Vilassar de Dalt (Barcelone, Catalogne), confirmant ainsi le statut de cette ville du Maresme comme épicentre européen majeur de la photographie argentique. Sous le thème « Voies d'évasion », l'événement réunit 25 expositions d'artistes nationaux et internationaux réparties dans six lieux de la ville, notamment l'emblématique Fàbrica Cal Garbat, qui accueille les expositions coordonnées par l' Associació Fotogràfica EspaiFoto sous la direction de Pep Mínguez.

Un discours explicatif axé sur l'évasion, le processus physique et la mémoire

Le programme de cette année explore la photographie argentique comme un refuge, une pause et une forme de résistance artistique face à l'immédiateté et à la saturation du monde numérique. Parmi les projets les plus marquants figure Cain , du lauréat du Prix national de la photographie JM Castro Prieto , aux côtés d'œuvres internationales de Joni Sternbach avec sa série Surfland , Filips Šmits ( Let's Get Sun-Kissed ), Tracy L. Chandler ( A Poor Sort of Memory ) et Debbie Castro ( Age Is a Privilege, Unless You Forget! ). Le festival décerne également sa Mention d'argent et rend hommage au célèbre photojournaliste Manel Armengol , en exposant ses photographies emblématiques des manifestations de 1976 à Barcelone.

Patrimoine, collection et impact sur le marché de l'art contemporain

Coïncidant avec le bicentenaire de la première photographie fixe de l'histoire (1826-2026), l'événement présente la première Conférence sur le patrimoine photographique et célèbre son populaire Marché de la photographie du 16 au 18 octobre 2026. L'intérêt croissant pour les livres de photographie, les tirages argentiques en édition limitée et les procédés alternatifs souligne l'appréciation grandissante de la photographie chimique sur le marché de l'art et parmi les collectionneurs spécialisés, renforçant la présence de la scène artistique espagnole sur le circuit international.

2026-10-18

Image : Fondation Beyeler

La Fondation Beyeler rend hommage à Ruth Asawa dans sa première rétrospective européenne.

La Fondation Beyeler à Riehen/Bâle (Suisse) accueillera, du 18 octobre 2026 au 10 janvier 2027, la première grande rétrospective monographique consacrée à Ruth Asawa (1926-2013) en Europe. Développée en collaboration avec le San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) et le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, l'exposition réunira ses sculptures biomorphiques emblématiques en fil de fer, ses dessins, estampes, peintures et créations industrielles, confirmant ainsi la renommée internationale de l'artiste et la valeur croissante de ses œuvres sur le marché secondaire de l'art et auprès des collectionneurs du monde entier.

Du Black Mountain College à la perturbation du langage sculptural

Formée au légendaire Black Mountain College de Caroline du Nord sous l'égide de Josef Albers et Buckminster Fuller , Ruth Asawa a transformé des matériaux industriels du quotidien en volumes organiques d'une extraordinaire légèreté visuelle. Ses célèbres structures suspendues en fil de cuivre et en fer, tissées dans un maillage continu et entrelacé, ont remis en question la lourdeur traditionnelle de la sculpture, s'imposant comme des œuvres fondamentales pour comprendre l'évolution de l'abstraction tridimensionnelle d'après-guerre.

Au-delà de ses célèbres sculptures suspendues, l'exposition à la Fondation Beyeler explore des facettes moins connues mais tout aussi pertinentes de son travail dans l'histoire du design et de la pratique artistique : ses expériences avec l'impression textile, ses revêtements muraux en papier plié et en plastique thermoformé — pour lesquels elle a obtenu des brevets en 1959 — et son travail inlassable en tant qu'enseignante et promotrice de programmes d'éducation artistique communautaire dans la région de la baie de San Francisco.

Pertinence pour le marché de l'art contemporain et la collection

Représentée par la galerie David Zwirner , Ruth Asawa a connu une ascension fulgurante, tant sur le plan institutionnel que commercial, au cours de la dernière décennie. Cette rétrospective itinérante offre une opportunité unique aux collectionneurs privés et institutionnels européens – et présente un fort potentiel pour les conseillers et collectionneurs d'art dans des villes clés comme Madrid, Barcelone et Saragosse – en illustrant l'intégration harmonieuse de l'art, de l'artisanat, de l'architecture et du design dans l'œuvre de l'une des artistes les plus influentes du XXe siècle.

2026-10-18

Image : Musée national de la sculpture

Le Musée national de la sculpture unit patrimoine artistique et bien-être émotionnel à Valladolid

Le Musée national de la sculpture , institution publique sous la tutelle du ministère de la Culture et située à Valladolid , a lancé le programme « Temps conscient » . Cette initiative associe l’analyse esthétique des arts visuels à des techniques de méditation et de pleine conscience, offrant aux visiteurs un espace de pause et de ressourcement au sein du cadre patrimonial du musée.

Méditation guidée avec les Sibylles d'Alonso Berruguete et la Maison du Soleil

Le parcours propose deux espaces de contemplation aménagés au sein du complexe muséal. Le premier se situe dans la salle 4 du Collège San Gregorio , à proximité des sculptures emblématiques des Sibylles, extraites du retable de San Benito el Real, chef-d'œuvre d' Alonso Berruguete . La proposition invite à une réflexion intérieure sur le symbolisme introspectif de ces figures prophétiques de l'Antiquité gréco-romaine.

Le second espace se trouve dans la Maison du Soleil , un lieu paisible dédié à une collection de moulages en plâtre de sculptures classiques. Dans les deux lieux, des QR codes donnent accès à des enregistrements explicatifs et à des méditations guidées, conçus pour favoriser une contemplation silencieuse par la respiration et les sens.

Consolidation des stratégies de médiation et impact social de l'art

Avec ce projet, mené par le département des programmes publics de l'institution, le Musée national de la sculpture réaffirme son engagement envers la santé mentale et le bien-être des citoyens. Cette initiative complète des programmes antérieurs tels que les ateliers « Prendre soin, c'est cultiver » et l' activité d'observation attentive « Regarder et voir » , renforçant ainsi le rôle des musées espagnols comme vecteurs de cohésion, d'accessibilité et d'enrichissement personnel à travers le langage de la sculpture.

2026-10-10

Image : La maison à Albox. Cuisine et couloir. Collection de l'artiste.

La résurgence du réalisme figuratif dans le paysage pictural espagnol

Contrairement à la domination historique de l'abstraction et de l'art conceptuel dans les milieux institutionnels, la figuration réaliste connaît une remarquable réévaluation sur le marché de l'art espagnol contemporain et dans le discours critique . Une réflexion récente de la critique d'art Marisol Salanova examine comment la peinture réaliste retrouve une place centrale dans la programmation des principaux centres culturels de la péninsule Ibérique, du Levant à Valence aux collections privées de Madrid, Saragosse et Andalousie.

Ce débat revêt une importance particulière à la lumière de l'exposition monographique historique consacrée au créateur almerien Andrés García Ibáñez au siège de la Fondation Bancaja à Valence , ouverte au public jusqu'au 10 janvier 2027. L'exposition représente une étape importante pour l'évaluation technique et financière du réalisme national contemporain.

Un dialogue magistral avec les grands noms de l'histoire de l'art

L'exposition à la Fondation Bancaja réunit plus de 84 œuvres d' Andrés García Ibáñez, réalisées entre 1994 et 2026, couvrant des genres traditionnels tels que le portrait, la nature morte, le paysage et l'allégorie. Elle établit également un dialogue direct entre les compositions de l'artiste, né à Olula del Río ( Almería ), et onze chefs-d'œuvre de figures majeures de la peinture espagnole, parmi lesquelles Francisco de Goya , Joaquín Sorolla , Ignacio Zuloaga , Juan de Valdés Leal et le maître du réalisme contemporain, Antonio López.

Au-delà de ses activités purement artistiques, Andrés García Ibáñez s'est imposé comme une figure majeure de la revitalisation du patrimoine culturel et institutionnel espagnol grâce à son soutien au Musée du Réalisme Espagnol Contemporain (MUREC) d'Almería et à la Fondation d'Art Ibáñez Cosentino . Son parcours témoigne de l'intérêt croissant, sur les marchés de l'art primaire et secondaire, pour la collection d'œuvres figuratives de grande qualité, d'une facture méticuleuse.

2027-01-10

Image : Musée du Centre national d’art Reina Sofía

Le musée Reina Sofía analyse l'art de la Transition avec le parcours « Collection60 : Transitions. Art, fin du franquisme et démocratie » à Madrid.

Le Musée du Centre national d'art Reina Sofía de Madrid présente le programme de visite guidée « Collection60 : Transitions. Art, fin du franquisme et démocratie », une visite de 60 minutes au quatrième étage du bâtiment Sabatini . Cette activité propose une analyse critique des transformations esthétiques et politiques survenues en Espagne entre la fin du régime franquiste et la consolidation de la démocratie, en s'appuyant notamment sur la réorganisation de l'exposition permanente « Collection. Art contemporain : 1975-Aujourd'hui ».

Une analyse historiographique des fissures créatives entre le franquisme tardif et la démocratie

L'exposition remet en question le récit homogène de la transition espagnole en mettant en lumière les contradictions et les désaccords qui transparaissent dans la production artistique de l'époque. Les œuvres sélectionnées couvrent la période allant du début des années 1970 à l'émergence de la culture underground et de la Movida Madrileña des années 1980, avec une attention particulière portée aux artistes associées à la deuxième vague du féminisme en Espagne.

À travers des disciplines telles que la peinture, la photographie, l'installation et l'art graphique engagé, l'exposition contextualise le rôle de l'art espagnol contemporain dans la construction de nouveaux imaginaires démocratiques et son impact sur la valorisation du patrimoine artistique sur le marché de l'art actuel. Des œuvres majeures d'artistes et d'historiens ayant joué un rôle central dans la scène des arts visuels du dernier quart du XXe siècle y sont analysées.

Informations sur l'accès et le développement des visites

Les séances se déroulent au point de rencontre situé au 4e étage (Alhacena) du bâtiment Sabatini , dans la limite des places disponibles. L’entrée est gratuite avec le billet d’entrée au musée. Par cette initiative, le musée Reina Sofía réaffirme son rôle de recherche et d’intégration dans la promotion de l’art contemporain de la capitale espagnole.

2026-10-15

Sotheby's met aux enchères des œuvres majeures sur papier issues de la collection d'art allemand d'après-guerre de la collection Duerckheim.

Sotheby 's Londres organisera une vente aux enchères les 15 et 16 octobre 2026, présentant un ensemble historique de 44 œuvres sur papier issues de la prestigieuse collection du comte Christian Duerckheim . Cette vente, structurée en une vente du soir et une vente de jour d'art contemporain , réunira des pièces majeures d'artistes ayant redéfini la scène artistique européenne après la Seconde Guerre mondiale, parmi lesquels Georg Baselitz , Gerhard Richter , Sigmar Polke , A.R. Penck , Blinky Palermo et Hermann Nitsch.

Un témoignage essentiel de la mémoire artistique européenne

Le cœur de la vente aux enchères est constitué du plus important ensemble d'œuvres sur papier de Georg Baselitz apparues sur le marché secondaire ces dernières années, avec des estimations indicatives allant de 234 000 € à 410 000 € par lot. Ces pièces proviennent de la légendaire série Helden (« Héros »), créée au milieu des années 1960, dans laquelle l'artiste explore la reconstruction psychologique et identitaire d'une Allemagne divisée. Comme Christian Duerckheim l'a lui-même souligné , cette collection ne recherche pas une esthétique conventionnelle, mais plutôt le reflet de la complexité morale et historique d'une période charnière.

Impact sur le collectionnisme et le marché international

Pour le milieu de l'art contemporain et les collectionneurs espagnols qui suivent de près les fluctuations du marché des maîtres anciens d'après-guerre, cette exposition londonienne constitue un baromètre essentiel de la demande d'œuvres sur papier par rapport aux peintures sur toile. Le parcours de Duerckheim, qui a débuté en 1970 avec l'acquisition d'estampes à Heidelberg, témoigne de la valeur intrinsèque des œuvres sur papier, qui offrent le moyen le plus intime et direct d'appréhender le processus créatif de l'artiste.

2026-10-15

Miguel Ángel Blanco clôt sa trilogie de matériaux extraordinaires avec « La Cabane d'ambre » à Madrid.

L’artiste plasticien Miguel Ángel Blanco inaugurera l’exposition « La Cabane d’Ambre » le 15 octobre 2026 au Musée national des arts décoratifs , situé rue Montalbán à Madrid . Cette exposition, qui restera ouverte au public jusqu’au 17 janvier 2027 , est le dernier volet d’une trilogie que l’artiste consacre à l’exploration esthétique et artistique de matériaux naturels uniques.

Après avoir exploré des substances comme le lapis-lazuli dans ses projets précédents , Miguel Ángel Blanco concentre désormais son travail sur l'ambre résineux et sa signification mythologique, esthétique et historique. L'exposition évoque la célèbre Chambre d'Ambre de Saint-Pétersbourg – considérée comme un chef-d'œuvre de l'art décoratif – pour interroger la confluence du pouvoir, du collectionnisme et de la valeur symbolique des matières premières.

Une exposition-voyage à travers la nature, le dessin et la collection

Structurée en trois salles agencées de manière narrative, l’exposition s’ouvre sur une exploration de l’ambre brut, mise en dialogue direct avec une série de dessins inédits réalisés par Miguel Ángel Blanco lui-même à l’aide de poudre d’ambre sur papier. Ce croisement des disciplines révèle la poétique de la matière et repousse les frontières traditionnelles de la gravure et de l’intervention sculpturale.

Dans le second espace, les visiteurs découvriront une sélection soignée de pièces historiques et d'objets artistiques en ambre, issus de prestigieuses collections publiques et privées espagnoles . Ce projet conforte le Musée national des arts décoratifs dans son rôle de carrefour du dialogue entre la création contemporaine et les arts appliqués, et constitue un rendez-vous incontournable du calendrier culturel parisien pour les collectionneurs et les investisseurs en art contemporain.

2026-10-15

La Fondation Juan March explore six décennies de réception artistique dans « La transition esthétique. Espagne, 1960-2020 ».

La Fondation Juan March à Madrid présente l'exposition « La Transition Esthétique. Espagne, 1960-2020 » , dont le vernissage aura lieu le 16 octobre 2026. L'exposition propose une ambitieuse analyse critique et historiographique de la manière dont le public espagnol a découvert, assimilé et interprété les courants de l'art moderne et contemporain international au cours des six dernières décennies.

Contrairement aux récits habituels centrés exclusivement sur la figure du créateur, le projet conçu par José María Parreño , Germán Labrador Méndez et Manuel Fontán del Junco place le spectateur et l'exposition elle-même au cœur du discours. L'exposition analyse comment l'écosystème culturel espagnol, marqué dans les années 1960 par un décalage de près de trente ans avec la scène internationale, a progressivement réussi à se structurer grâce à l'impulsion d'institutions publiques et privées, de collectionneurs, de galeries commerciales et d'initiatives indépendantes.

Soixante-et-onze études de cas sur le collectionnisme, le musée et l'avant-garde

À travers un parcours visuel rigoureux structuré autour de 71 études de cas , l'exposition réunit une remarquable sélection de peintures, sculptures, photographies, œuvres audiovisuelles et documents d'archives. L'itinéraire retrace les moments clés de l'intégration de l'art international au marché de l'art et aux galeries espagnoles , en citant des références historiques à des artistes tels que Pablo Picasso , Andy Warhol , Henri Matisse et l'artiste contemporaine Tania Bruguera.

L'exposition, gratuite et ouverte au public à Madrid, rue Castelló, restera ouverte jusqu'au 10 janvier 2027. Événement phare du circuit des expositions et du marché de l'art contemporain espagnol, elle offre une perspective analytique essentielle sur les habitudes de consommation culturelle et l'évolution des pratiques curatoriales.

2026-10-16

Le festival Revela't 2026 transforme Vilassar de Dalt en capitale internationale de la photographie argentique contemporaine.

Le festival international de photographie argentique contemporaine Revela't célèbre sa quatorzième édition du 1er au 18 octobre 2026 à Vilassar de Dalt (Barcelone, Catalogne), confirmant ainsi le statut de cette ville du Maresme comme épicentre européen majeur de la photographie argentique. Sous le thème « Voies d'évasion », l'événement réunit 25 expositions d'artistes nationaux et internationaux réparties dans six lieux de la ville, notamment l'emblématique Fàbrica Cal Garbat, qui accueille les expositions coordonnées par l' Associació Fotogràfica EspaiFoto sous la direction de Pep Mínguez.

Un discours explicatif axé sur l'évasion, le processus physique et la mémoire

Le programme de cette année explore la photographie argentique comme un refuge, une pause et une forme de résistance artistique face à l'immédiateté et à la saturation du monde numérique. Parmi les projets les plus marquants figure Cain , du lauréat du Prix national de la photographie JM Castro Prieto , aux côtés d'œuvres internationales de Joni Sternbach avec sa série Surfland , Filips Šmits ( Let's Get Sun-Kissed ), Tracy L. Chandler ( A Poor Sort of Memory ) et Debbie Castro ( Age Is a Privilege, Unless You Forget! ). Le festival décerne également sa Mention d'argent et rend hommage au célèbre photojournaliste Manel Armengol , en exposant ses photographies emblématiques des manifestations de 1976 à Barcelone.

Patrimoine, collection et impact sur le marché de l'art contemporain

Coïncidant avec le bicentenaire de la première photographie fixe de l'histoire (1826-2026), l'événement présente la première Conférence sur le patrimoine photographique et célèbre son populaire Marché de la photographie du 16 au 18 octobre 2026. L'intérêt croissant pour les livres de photographie, les tirages argentiques en édition limitée et les procédés alternatifs souligne l'appréciation grandissante de la photographie chimique sur le marché de l'art et parmi les collectionneurs spécialisés, renforçant la présence de la scène artistique espagnole sur le circuit international.

2026-10-18

Image : Fondation Beyeler

La Fondation Beyeler rend hommage à Ruth Asawa dans sa première rétrospective européenne.

La Fondation Beyeler à Riehen/Bâle (Suisse) accueillera, du 18 octobre 2026 au 10 janvier 2027, la première grande rétrospective monographique consacrée à Ruth Asawa (1926-2013) en Europe. Développée en collaboration avec le San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) et le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, l'exposition réunira ses sculptures biomorphiques emblématiques en fil de fer, ses dessins, estampes, peintures et créations industrielles, confirmant ainsi la renommée internationale de l'artiste et la valeur croissante de ses œuvres sur le marché secondaire de l'art et auprès des collectionneurs du monde entier.

Du Black Mountain College à la perturbation du langage sculptural

Formée au légendaire Black Mountain College de Caroline du Nord sous l'égide de Josef Albers et Buckminster Fuller , Ruth Asawa a transformé des matériaux industriels du quotidien en volumes organiques d'une extraordinaire légèreté visuelle. Ses célèbres structures suspendues en fil de cuivre et en fer, tissées dans un maillage continu et entrelacé, ont remis en question la lourdeur traditionnelle de la sculpture, s'imposant comme des œuvres fondamentales pour comprendre l'évolution de l'abstraction tridimensionnelle d'après-guerre.

Au-delà de ses célèbres sculptures suspendues, l'exposition à la Fondation Beyeler explore des facettes moins connues mais tout aussi pertinentes de son travail dans l'histoire du design et de la pratique artistique : ses expériences avec l'impression textile, ses revêtements muraux en papier plié et en plastique thermoformé — pour lesquels elle a obtenu des brevets en 1959 — et son travail inlassable en tant qu'enseignante et promotrice de programmes d'éducation artistique communautaire dans la région de la baie de San Francisco.

Pertinence pour le marché de l'art contemporain et la collection

Représentée par la galerie David Zwirner , Ruth Asawa a connu une ascension fulgurante, tant sur le plan institutionnel que commercial, au cours de la dernière décennie. Cette rétrospective itinérante offre une opportunité unique aux collectionneurs privés et institutionnels européens – et présente un fort potentiel pour les conseillers et collectionneurs d'art dans des villes clés comme Madrid, Barcelone et Saragosse – en illustrant l'intégration harmonieuse de l'art, de l'artisanat, de l'architecture et du design dans l'œuvre de l'une des artistes les plus influentes du XXe siècle.

2026-10-18

Le Quai d'Orsay se transforme en scène pour l'art contemporain pendant Art Basel Paris 2026

Le ministère français de l’Europe et des Affaires étrangères ouvrira exceptionnellement les portes de l’ Hôtel du Ministre , situé sur l’emblématique quai d’Orsay à Paris, pour accueillir l’exposition collective « PASSAGES – Passages » du 20 au 23 octobre 2026. Cette initiative, qui s’inscrit dans le cadre du programme culturel public de la foire internationale Art Basel Paris 2026 , instaure un dialogue inédit entre diplomatie internationale, mémoire architecturale du XIXe siècle et pratiques artistiques contemporaines.

Une coproduction transdisciplinaire entre l'art, le design et la diplomatie

L’exposition est conçue par Krystyna Winckler et coproduite par les créateurs et designers Thierry Lemaire et Harry Nuriev . Ce projet est le fruit d’une collaboration institutionnelle entre le ministère français des Affaires étrangères, Manufactures Nationales – Sèvres & Mobilier national , le Centre national des arts plastiques (CNAP) et l’ Institut français.

À travers un parcours reliant sculpture, arts visuels contemporains, artisanat d'art et archives diplomatiques historiques, l'exposition présentera les œuvres d'artistes sélectionnés lors de résidences internationales soutenues par le réseau culturel français. L'entrée est gratuite sur réservation, ce qui souligne l'importance de l'art et du collectionnisme comme vecteurs essentiels de diplomatie culturelle et d'échanges entre les scènes créatives internationales.

2026-10-20

Sonia Gomes et le langage de la sculpture textile : en route pour le Palais de Tokyo

L’artiste contemporaine Sonia Gomes (Caetanópolis, Minas Gerais, 1948) s’impose comme l’une des voix les plus singulières de la sculpture textile et de l’assemblage tridimensionnel. Dans le profil audiovisuel « À la rencontre des artistes » publié par Art Basel , cette artiste afro-brésilienne explore la dimension existentielle, le geste artisanal et le recyclage des matériaux qui caractérisent son œuvre. Sa pratique acquiert une dimension internationale particulière avec l’ouverture de son exposition personnelle « Cœur sauvage » au Palais de Tokyo à Paris , visible du 21 octobre 2026 au 14 février 2027.

La transformation de la matière : mémoire, soin et résistance

L'œuvre de Sonia Gomes repose sur l'utilisation de tissus de récupération, de textiles donnés, de dentelle, de fils et de structures en bois et en fil de fer trouvées, que l'artiste tord, noue et coud intuitivement. Liée à ses racines familiales et à la transmission du savoir ancestral de sa grand-mère – sage-femme et guérisseuse traditionnelle au Brésil –, l'œuvre de Gomes transcende la notion conventionnelle d'artisanat pour créer des formes sculpturales biomorphiques et organiques imprégnées de mémoire collective. Comme l'artiste le souligne elle-même, le travail du textile constitue un langage de réparation, de résistance et d'affirmation identitaire face aux récits hégémoniques dans l'art.

Projection institutionnelle et marché secondaire en Europe

Suite à sa participation à des événements marquants tels que la 56e Biennale de Venise, sous le commissariat d'Okwui Enwezor, la reconnaissance de l'œuvre de Sonia Gomes témoigne d'un intérêt croissant des collectionneurs institutionnels et privés pour l'art textile et les pratiques décoloniales. L'exposition panoramique au Palais de Tokyo, en France, retrace vingt ans de travail en dialogue direct avec l'architecture industrielle du centre parisien. Cet événement majeur confirme la valeur et la rigueur technique de la sculpture latino-américaine contemporaine au sein des circuits artistiques européens les plus prestigieux.

21/10/2026

Site entame une phase nomade à Hong Kong pour commémorer ses 30 ans d'art contemporain.

Le prestigieux centre d'art contemporain à but non lucratif Para Site , figure incontournable de la scène artistique hongkongaise et institutionnelle asiatique , a annoncé son départ de Quarry Bay , où il était installé depuis onze ans. À l'occasion de son 30e anniversaire, l'organisation lancera un ambitieux programme d'expositions itinérantes, investissant divers espaces urbains et institutionnels de la ville en 2027.

Un modèle itinérant pour redéfinir l'avenir institutionnel

Sous la direction de James Taylor-Foster , l'institution profite de cette phase de transition pour expérimenter de nouveaux formats de commissariat d'exposition, des partenariats communautaires et des stratégies de médiation. Ce tournant stratégique s'appuie sur la série d'œuvres commandées « Elsewhere in Me » , lancée en milieu d'année avec des interventions d'artistes majeurs tels que River Lin et Tong Wenmin.

Le programme se poursuivra dans les prochains mois avec de nouveaux projets, notamment des présentations de l'artiste Justin Talplacido Shoulder (Phasmahammer), basé à Sydney, en novembre, et de l'artiste Yim Sui Fong, basée à Hong Kong , en décembre. L'expérience acquise durant cette tournée d'un an permettra d'orienter la conception et les besoins de son futur emplacement permanent à Hong Kong , dont la localisation définitive sera bientôt dévoilée.

Trois décennies à l'avant-garde de la scène internationale

Fondé en 1996 par un collectif d'artistes locaux, dont Patrick Lee , Leung Chi-wo , Phoebe Man Ching-ying , Sara Wong Chi-hang , Leung Mee-ping , Tsang Tak-ping et Lisa Cheung , Para Site a vu le jour dans le quartier de Sheung Wan en tant que plateforme alternative axée sur le débat critique et l'expérimentation dans les arts visuels. Son déménagement à Quarry Bay en 2015 a coïncidé avec l'essor rapide du marché de l'art contemporain dans la région.

Pour les collectionneurs, les conservateurs et les analystes du marché mondial de l'art contemporain, la transformation de Para Site réaffirme la pertinence de modèles de gestion artistique flexibles et décentralisés, capables de redéfinir la dynamique entre l'espace public, la production artistique et les institutions culturelles dans des environnements urbains hyperdéveloppés.

2026-11-01

Le CDAN de Huesca clôture son cycle « Ils illustrent la botanique » par un cycle d'ateliers de photographie et d'arts plastiques.

Le Centre d'art et de nature (CDAN) de Huesca , institution de référence en Aragon pour l'analyse des liens entre art contemporain et paysage, propose cinq ateliers spécialisés en clôture de l'exposition « Elles illustrent la botanique », accessible au public jusqu'au 1er novembre . Cette exposition internationale, conçue par une équipe de recherche de l' Université Complutense de Madrid et organisée par Toya Legido et Lucía Moreno Diz , rassemble plus de 500 œuvres de 60 artistes femmes afin de mettre en lumière la présence féminine dans l'illustration scientifique et les arts visuels du XVIIe siècle à nos jours.

Photographie argentique, collage et pratiques contemporaines à Huesca

Le programme d'activités complémentaires se déroulera du 26 septembre au 25 octobre et proposera une approche pratique de la photographie expérimentale, du dessin de terrain et du collage graphique. Il débutera par l'atelier « Anthotype : À l'écoute des plantes », animé par la photographe Vicky Méndiz , où les participants exploreront les premiers procédés photographiques du XIXe siècle à l'aide de sucs végétaux photosensibles.

Le samedi 3 octobre, l'artiste Rakel Gómez Vázquez animera la séance « Lecture botanique située : problèmes de la Terre, problèmes de l'image », invitant à une réflexion critique sur la manière dont les représentations artistiques façonnent notre rapport à l'environnement naturel. Le dimanche 11 octobre, l'artiste Susana Vacas proposera un atelier de collage autour de son œuvre artistique et littéraire « Re-composition ».

Art in situ et recherche biologique

La dernière étape du programme de formation accueillera Gema Rupérez le dimanche 18 octobre pour son atelier d'archives et de dessin intitulé « Moi aussi, je suis envahissante », conçu comme un prolongement, axé sur le processus, de son installation « Espèces envahissantes », qui fait partie de la collection de l'exposition. Le cycle se conclura le 25 octobre par la session théorique et pratique « Insectes et fleurs à la conquête du monde », animée par la biologiste Lorena Escuer , qui établira un lien entre le fonctionnement de l'écosystème et les collections botaniques présentées dans les galeries du musée de Huesca.

Avec cette initiative, le CDAN consolide son engagement en faveur de la médiation culturelle et de la revalorisation du patrimoine visuel, positionnant Huesca et l'écosystème artistique aragonais comme des points clés du débat contemporain sur l'art, la science et la perspective de genre.

01/11/2026

Dan Bonssai et Maiky Maik, lauréats du VIe prix d'art de l'université San Jorge

Le jury de la sixième édition du Prix d'art de l'Université San Jorge, Appel à artistes, a annoncé sa décision officielle, attribuant le premier prix à l'artiste Dan Bonssai pour son œuvre Trapped , tandis que le deuxième prix a été décerné à Maiky Maik pour l'œuvre The Battle of Water.

L'œuvre lauréate de Dan Bonssai intégrera la collection d'art de l' Université San Jorge et sera assortie d'un prix de 4 000 euros. Le prix de 1 000 euros, attribué à Maiky Maik , arrivé deuxième , est également inclus. Ces deux œuvres se distinguent par leur force conceptuelle et technique dans le paysage des arts visuels contemporains en Aragon.

Exposition collective à la galerie Carmen Terreros à Saragosse

Organisé par Cultura y Ediciones USJ en collaboration avec la galerie Carmen Terreros , ce concours vise à créer des liens entre artistes émergents et confirmés, le milieu de l'exposition et le marché de l'art contemporain. Cette année, sept projets finalistes ont été sélectionnés parmi les œuvres d'artistes tels que Gema Rupérez , Daniel Vera , Jorge Aliaga , Laura G. Escribano et Álex Bascuas , en plus des lauréats.

Le vernissage de l'exposition collective présentant les sept œuvres sélectionnées aura lieu le 3 novembre 2026 à la galerie Carmen Terreros de Saragosse , avant son transfert en 2027 sur le campus universitaire de Villanueva de Gállego. Une cérémonie officielle précédera le vernissage dans l'immeuble du groupe San Valero, situé en face de la galerie d'art, place de Santa Cruz.

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2026-11-03

Aurèlia Muñoz : Une rétrospective clé dévoile l'univers textile au Musée Reina Sofía et au MACBA

Le Musée national centre d'art Reina Sofía de Madrid accueille, jusqu'au 7 septembre 2026, l'exposition « Aurèlia Muñoz. Entités », une ambitieuse rétrospective consacrée à l'artiste catalane Aurèlia Muñoz (Barcelone, 1926-2011). Cette importante exposition, commémorant le centenaire de sa naissance, sera ensuite présentée au Musée d'art contemporain de Barcelone (MACBA) du 5 novembre 2026 au 29 mars 2027. Elle offre un panorama complet de plus de 150 œuvres de Muñoz, confirmant son statut de pionnière incontestée du renouveau de la sculpture textile du XXe siècle en Espagne et à l'international.

Un héritage artistique qui transcende le tissage et l'artisanat

La pratique d' Aurèlia Muñoz , initialement liée à des mouvements tels que la nouvelle tapisserie et l'École catalane de tapisserie, se caractérise par une audacieuse expérimentation, transcendant les frontières traditionnelles du tissage, de la fibre et de l'artisanat. L'artiste a employé une combinaison novatrice de techniques ancestrales, comme le macramé, la broderie et le nouage, avec des ressources contemporaines pour façonner son propre univers créatif. L'exposition révèle la diversité de son œuvre, depuis ses premiers collages et assemblages aux influences surréalistes et gothiques, jusqu'à ses broderies picturales monumentales et ses sculptures emblématiques en forme de cerf-volant , connues sous le nom d'« oiseaux-cerfs-volants », ainsi que ses installations réalisées en papier fait main.

Thèmes et perspectives : Conscience écosociale et exploration de soi

Le titre de l'exposition, « Entités », renvoie à l'un des concepts centraux de l'œuvre de Muñoz : la création de figures plurielles et asexuées, à mi-chemin entre l'humain et l'animal, évoluant dans un espace interspécifique. Sa production artistique témoigne non seulement d'une maîtrise technique exceptionnelle, mais aussi d'une profonde réflexion sur l'impact des crises post-industrielles sur les écosystèmes terrestres, aquatiques et aériens – des thèmes d'une actualité cruciale sur le marché de l'art et dans le monde de la collection d'art contemporain.

L’exposition, co-organisée par le Musée Reina Sofía et le MACBA , sous la direction scientifique de Manuel Cirauqui et le commissariat de Rosa Lleó et Sílvia Ventosa Muñoz (fille de l’artiste et responsable de ses archives), présente plus de 150 œuvres, dont beaucoup sont inédites ou rarement exposées dans les musées, parmi lesquelles une vaste sélection de maquettes et de dessins jusqu’alors inconnus. Ce travail curatorial vise à ouvrir de nouvelles perspectives sur son héritage unique et à reconnaître la place qui lui revient dans l’histoire de l’art.

La redécouverte de l'œuvre d' Aurèlia Muñoz souligne l'importance de réévaluer les artistes qui, malgré leur succès international – son œuvre figure dans des collections prestigieuses comme celle du MoMA – ont été en partie reléguées au second plan par un système artistique ayant historiquement masculinisé la peinture et féminisé les pratiques textiles, les associant à tort à des artisanats mineurs. Cette rétrospective à Madrid et Barcelone célèbre non seulement le centenaire de sa naissance, mais contribue également à réécrire l'histoire de l'art espagnol, mettant en lumière l'influence et la vision d'une créatrice qui a anticipé nombre de préoccupations actuelles de l'art mondial.

05/11/2026

Le Musée Reina Sofía de Madrid présente « La Nuit », une grande rétrospective de Miguel Ángel Rojas

Le Musée national centre d'art Reina Sofía accueillera l'exposition « La noche » (La Nuit) au rez-de-chaussée du bâtiment Sabatini à Madrid . Cette rétrospective majeure est consacrée à l'artiste colombien Miguel Ángel Rojas (Bogotá, 1946). Sous le commissariat de María Wills Londoño , l'exposition se tiendra du 11 novembre 2026 au 15 mars 2027 et réunira plus de cinquante ans de création artistique à travers des installations, des expérimentations photographiques et des œuvres explorant des matériaux tels que le charbon de bois, les feuilles de coca et les pigments naturels.

Corps, décolonialisme et discours politique dans l'art contemporain

Considéré comme une figure majeure de l'art contemporain latino-américain et ibéro-américain, Miguel Ángel Rojas a structuré son œuvre autour des tensions sociales et politiques de la Colombie : violence, trafic de drogue, extractivisme en Amazonie, migrations et dissidence sexuelle. La pénombre, qu'il exprime aussi bien dans la lumière tamisée des cinémas argentiques de ses premières photographies que dans les tons sombres de ses cartographies matérielles, constitue la trame même de sa vision artistique.

Parmi les œuvres emblématiques de l'exposition figure l'installation historique « Grano » (1980) , une œuvre conceptuelle majeure dans laquelle l'artiste a dispersé de la terre de la région de Tolima sur le sol du musée pour recréer la maison de ses grands-parents. On notera également « El camino corto » (2012) , réalisée à partir de feuilles de coca découpées et de billets de banque, ainsi que la puissante série photographique « David » (2004) , une œuvre fondatrice sur les conséquences des conflits armés et les souffrances des victimes de mines antipersonnel.

Pertinence pour le collectionnisme et le circuit artistique en Espagne

L’intégration de Miguel Ángel Rojas à la programmation officielle du Musée Reina Sofía renforce le dialogue transatlantique au sein des institutions espagnoles. Cette importante exposition monographique constitue une étape majeure dans la rétrospective historiographique et l’évaluation du marché de l’art contemporain pour les investisseurs et les professionnels, de Madrid à Saragosse et dans toute la région culturelle d’ Aragon.

11/11/2026

Miguel Ángel Rojas présente l'exposition 'La Nuit' au Musée Reina Sofía de Madrid

Le Musée du Centre national d'art Reina Sofía de Madrid accueillera la vaste rétrospective « La Nuit » , consacrée au célèbre artiste visuel colombien Miguel Ángel Rojas , du 11 novembre 2026 au 15 mars 2027. Située au rez-de-chaussée du bâtiment Sabatini , l'exposition rassemble plus de cinq décennies de sa carrière créative à travers la photographie, l'installation et l'exploration des matériaux, abordant des questions clés pour l'art ibéro-américain contemporain telles que l'extractivisme environnemental, la violence politique et la dissidence sexuelle.

Un voyage critique entre mémoire sociale et langage matériel

Né à Bogota en 1946, Miguel Ángel Rojas est une figure majeure du marché international de l'art, reconnu pour sa capacité à allier commentaire social et poésie intimiste et décoloniale. L'exposition explore la manière dont la pénombre des cinémas analogiques de ses premières œuvres a évolué vers des cartographies réalisées à partir de matériaux tels que le charbon de bois, les feuilles de coca, les dollars et la terre.

Parmi les œuvres majeures exposées figure l'installation historique « Grano » (1980), une œuvre emblématique de l'art conceptuel qui recrée le sol de la maison familiale des grands-parents de l'artiste à Tolima à l'aide de terre dispersée dans l'espace muséal. L'exposition présente également la série « El camino corto » (2012) et la photographie emblématique « David » (2004), une œuvre qui interroge le corps meurtri par les conflits armés et les mines antipersonnel en Colombie.

Pertinence pour l'écosystème artistique et de collection en Espagne

L'intégration de Miguel Ángel Rojas à la programmation du Musée Reina Sofía renforce le dialogue transatlantique au sein du circuit des expositions espagnol . Cette importante rétrospective constitue une référence précieuse pour les conservateurs, les critiques et les investisseurs en art contemporain, de Madrid à Saragosse et à l'Aragon , et contribue à enrichir la compréhension historiographique des pratiques artistiques analogiques et conceptuelles de la région.

11/11/2026

Le musée Reina Sofía présente à Madrid l'installation immersive historique « La Menesunda » de Marta Minujín.

Le Musée national centre d'art Reina Sofía accueillera l'exposition « La Menesunda selon Marta Minujín » du 18 novembre 2026 au 8 mars 2027, au rez-de-chaussée du bâtiment Nouvel à Madrid. L'exposition est organisée par le directeur du musée, Manuel Segade , en collaboration avec Beatriz Jordana et Cayetano Limorte . Cet événement marque la première présentation, dans une institution publique espagnole , de la reconstitution de l'une des installations immersives les plus marquantes de l'histoire de l'art contemporain international.

Un événement marquant dans le domaine des happenings et de la participation multisensorielle

Conçue initialement en 1965 par l'artiste argentine Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) et Rubén Santantonín pour le Centre des arts visuels de l'Institut Torcuato Di Tella de Buenos Aires, La Menesunda a transformé le rôle du spectateur, substituant à la contemplation passive une expérience participative et multisensorielle. Le terme, issu de l'argot de la région du Río de la Plata, évoque la confusion ou le mélange hétérogène d'éléments, créant des espaces aux environnements tactiles, aux lumières néon et aux stimuli sensoriels qui ont aboli les frontières traditionnelles entre l'art et la vie quotidienne.

Recherche historique, coproduction internationale et marché de l'art

Cette reconstitution est le fruit d'un travail de recherche rigoureux entrepris en 2015 par le Musée d'Art Moderne de Buenos Aires, en collaboration directe avec l'artiste et en coproduction avec la Tate Liverpool , suite à des expositions dans des institutions de renommée internationale telles que le New Museum de New York et Copenhagen Contemporary . Lauréate du Prix Velázquez des Arts Visuels en 2016, décerné par le Ministère espagnol de la Culture, Marta Minujín demeure une figure incontournable pour les collectionneurs internationaux, les galeries et les institutions de la scène artistique espagnole, de Madrid aux plateformes de diffusion en Aragon et à Saragosse.

Archives documentaires et actions historiques

L'exposition présentée dans la capitale espagnole est complétée par une sélection documentaire axée sur les happenings , les performances et les actions performatives développées par Minujín entre 1963 et 1985. À travers des photographies, des croquis et des documents d'archives, le parcours aborde des projets clés tels que « Simultaneity in Simultaneity » ou l'action historique « The Payment of the External Debt with Corn », réalisée avec Andy Warhol , soulignant la valeur procédurale et historiographique d'un pionnier de l'avant-garde latino-américaine.

2026-11-18

Le Musée Reina Sofía reconstitue « La Menesunda » de Marta Minujín à Madrid

Le Musée du Centre national d'art Reina Sofía prévoit de présenter « La Menesunda selon Marta Minujín » dans sa programmation , une exposition qui occupera le rez-de-chaussée du bâtiment Nouvel à Madrid du 18 novembre 2026 au 8 mars 2027. Conçue par le directeur du musée, Manuel Segade , en collaboration avec Beatriz Jordana et Cayetano Limorte , l'exposition fait redécouvrir l'une des créations les plus marquantes de l'histoire des installations immersives et de l'art de la performance du XXe siècle.

Étape marquante de l'événement et de l'expérience multisensorielle

Conçue initialement en 1965 par Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) en collaboration avec l'artiste Rubén Santantonín pour le Centre des arts visuels de l' Institut Torcuato Di Tella de Buenos Aires, « La Menesunda » a redéfini le rapport entre l'œuvre d'art et le public. En substituant à la contemplation passive une expérience immersive et participative, l'installation proposait une immersion sensorielle où le spectateur devenait le sujet central de l'événement artistique. Le terme, emprunté à l'argot de la région du Río de la Plata pour décrire un mélange ou un chaos d'éléments, désigne un parcours composé de salles aux textures changeantes, illuminées au néon et offrant des possibilités d'interaction physique.

Documentation historique et impact sur le marché de l'art contemporain

L'exposition présentée à Madrid est le fruit d'une recherche approfondie entreprise en 2015 par le Musée d'Art Moderne de Buenos Aires, en étroite collaboration avec l'artiste. Coproduite avec la Tate Liverpool , et après avoir été présentée au New Museum de New York et à Copenhague, l'exposition arrive pour la première fois dans une institution publique espagnole. Le projet est complété par un documentaire consacré aux performances et happenings de Marta Minujín entre 1963 et 1985, notamment à des actions marquantes telles que « Simultaneity in Simultaneity » et « Paying the External Debt with Corncobs » avec Andy Warhol . Lauréate du prix Velázquez des arts visuels en 2016, Marta Minujín s'est imposée comme une figure incontournable de la collection et de la recherche sur l'art latino-américain en Europe.

2026-11-18

Arthur Jafa déconstruit la suprématie visuelle dans ses expositions simultanées à Venise et à New York.

L’artiste, cinéaste et vidéaste américain Arthur Jafa (Tupelo, Mississippi, 1960) est au cœur d’un des moments les plus marquants de la scène artistique internationale de l’année 2026. Avec des interventions simultanées à la Fondazione Prada à Venise – où il dialogue de manière inédite avec Richard Prince sous le commissariat de Nancy Spector – et une importante rétrospective au New Museum de New York intitulée « I Am Tony » , l’artiste aborde de front l’histoire des violences raciales et les archives visuelles de son pays, dans un contexte de tensions politiques croissantes au sein du mouvement conservateur américain.

De la Fondazione Prada au New Museum : la déconstruction de l'image américaine

À la Ca' Corner della Regina de Venise, l'exposition Helter Skelter juxtapose les œuvres d' Arthur Jafa et de Richard Prince et restera visible jusqu'au 23 novembre 2026. Elle s'est imposée comme le pendant non officiel de la Biennale de Venise, offrant une perspective critique au pavillon officiel des Giardini. À travers des sculptures, des installations photographiques et des appropriations audiovisuelles, Jafa explore les paradoxes de la culture afro-américaine et remet explicitement en question les structures de pouvoir établies.

Parallèlement, la rétrospective I Am Tony au New Museum de New York (visible jusqu'en janvier 2027) rassemble des œuvres clés de sa carrière, notamment Love Is the Message, The Message Is Death et la célèbre installation The White Album , qui a remporté le Lion d'or de la meilleure participation à la Biennale de Venise 2019.

Pertinence pour le collectionnisme et le marché contemporain

Les prises de position percutantes d' Arthur Jafa sur la nécessité d'apporter des réponses artistiques directes, et non seulement indirectes, à la situation politique, réaffirment la place de son œuvre à l'avant-garde de l'art contemporain. Pour les collectionneurs, les critiques et les institutions en Espagne et en Europe, le parcours de Jafa confirme la pertinence durable du found footage et de l'installation immersive comme atouts stratégiques sur le marché mondial de l'art contemporain.

2026-11-23

Art Basel met en lumière la proposition artistique de Ladji Diaby dans sa série « Meet the Artists ».

La plateforme internationale Art Basel , en collaboration avec la maison d'édition Nowness , présente un nouvel épisode de sa prestigieuse série audiovisuelle « À la rencontre des artistes » , consacré à l'artiste franco-malien Ladji Diaby . Installé à Ivry-sur-Seine , en banlieue parisienne , l'artiste ouvre les portes de son atelier pour partager sa réflexion sur une démarche artistique qu'il situe entre alchimie et magie plastique.

La publication de ce profil coïncide avec la célébration de son exposition personnelle « Godspeed You Black Emperor » , présentée à la prestigieuse Galerie Crèvecoeur à Paris (France) et qui restera ouverte au public jusqu'au 28 novembre 2026. Cet événement confirme l'intérêt des collectionneurs internationaux et des galeries d'art contemporain pour les nouveaux récits d'assemblage et d'installation sculpturale.

Un récit articulé à partir du souvenir d'objets du quotidien

Diplômé de la prestigieuse École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris , Ladji Diaby construit son œuvre conceptuelle à partir de la collecte et de la manipulation d'objets de seconde main et de matériaux du quotidien glanés dans des lieux comme La Caverne des Particuliers , célèbre brocante de sa ville natale. L'artiste définit sa démarche comme une sculpture de la mémoire où se superposent des strates d'identité individuelle et collective.

Dans l’exposition « Godspeed You Black Emperor » à la Galerie Crèvecoeur , le créateur intègre des figures populaires, des éléments de la culture visuelle contemporaine et des symboles de la tradition spirituelle, articulant une dialectique esthétique qui combine discours politique, charge poétique et rigueur compositionnelle.

Projection ascendante sur le marché de l'art contemporain

La reconnaissance institutionnelle de Ladji Diaby s'est accélérée de façon spectaculaire depuis 2024, année de sa première exposition personnelle dans un musée européen, au Kunstverein de Nuremberg (Allemagne). Sa participation à Lafayette Anticipations à Paris a ensuite confirmé sa place parmi les artistes émergents les plus prometteurs sur la scène internationale des galeries et des foires d'art.

Pour les collectionneurs spécialisés et les agents du marché de l'art, suivre de jeunes figures soutenues par des firmes de premier plan comme la Galerie Crèvecoeur représente un indicateur clé des courants conceptuels qui définissent les tendances de la création artistique européenne actuelle.

2026-11-28

Le Getty Museum de Los Angeles transforme les rues de Paris en un musée d'art monumental.

Dans le cadre d’une initiative internationale célébrant le 250e anniversaire de l’amitié franco-américaine et coïncidant avec l’effervescence culturelle de l’automne parisien, le musée J. Paul Getty a déployé six reproductions monumentales d’œuvres majeures de sa collection dans des espaces urbains emblématiques de Paris.

Organisé en partenariat avec le cabinet de conseil et la plateforme culturelle L'Art dans la Ville , ce musée éphémère à ciel ouvert offre un accès gratuit et continu 24 heures sur 24 jusqu'au 30 novembre 2026. L'installation présente le célèbre tableau de Vincent van Gogh , Les Iris (1889) , affiché à une échelle architecturale sur la façade extérieure de la Gare de l'Est , étendant la puissance visuelle et la composition du maître post-impressionniste au-delà de la toile elle-même.

Un voyage à travers les chefs-d'œuvre de l'impressionnisme et des arts visuels du XIXe siècle

La sélection curatoriale rassemble des œuvres d'une valeur historique et marchande incontestable. Le circuit urbain comprend Jeanne (Printemps) (1881) d' Édouard Manet près de la rue du Louvre , Nature morte aux pommes (1893-1894) de Paul Cézanne au carrefour de Sèvres, Jeune femme à sa fenêtre (1876) de Gustave Caillebotte à Auteuil, Printemps (1894) de Lawrence Alma-Tadema près de la cathédrale Notre-Dame et Portrait de Joseph Roulin (1888) de Van Gogh à l' Hôtel de Ville.

Chaque dispositif interactif est doté de codes QR permettant aux collectionneurs, aux critiques et aux passants d'explorer l'histoire matérielle et technique de chaque tableau grâce aux archives numériques du musée. Cet engagement en faveur de la démocratisation du patrimoine visuel renforce les liens de collection transatlantiques et revitalise l'espace public grâce aux grands chefs-d'œuvre de la peinture du XIXe siècle.

2026-11-30

Le Musée d'Orduña accueille « Activistes pour la vie » de Gervasio Sánchez

Le musée Orduña , en Biscaye , présente l'exposition photographique « Activistes pour la vie » , un projet documentaire du célèbre photojournaliste Gervasio Sánchez , lauréat du Prix national de la photographie 2009. L'exposition, qui restera ouverte au public jusqu'au 13 décembre 2026 , documente le quotidien de 40 hommes et femmes engagés dans la défense du territoire, de la nature et des droits humains au Guatemala et au Honduras.

Photojournalisme et engagement social dans le circuit des expositions espagnoles

Organisée en collaboration avec l’ association Herriarte-Entrepueblos , l’exposition propose un parcours audiovisuel et interactif composé de portraits, de textes explicatifs et d’entretiens vidéo. Le travail de Gervasio Sánchez , journaliste étroitement lié à l’Aragon par son activité professionnelle et sa direction du Séminaire de photographie d’Albarracín à Teruel , met en lumière les risques encourus par les communautés paysannes et autochtones du fait de la surexploitation des ressources naturelles en Amérique centrale.

Ce projet s’inscrit dans le cadre d’une proposition d’exposition coordonnée reliant plusieurs lieux du Pays basque , partageant un contenu complémentaire entre le musée Orduña et la salle La Casona à Amurrio , réaffirmant la valeur du document photographique en tant que patrimoine culturel et outil de réflexion critique au sein du marché de l’art contemporain et du collectionnisme en Espagne.

2026-12-13

Image : La maison à Albox. Cuisine et couloir. Collection de l'artiste.

La résurgence du réalisme figuratif dans le paysage pictural espagnol

Contrairement à la domination historique de l'abstraction et de l'art conceptuel dans les milieux institutionnels, la figuration réaliste connaît une remarquable réévaluation sur le marché de l'art espagnol contemporain et dans le discours critique . Une réflexion récente de la critique d'art Marisol Salanova examine comment la peinture réaliste retrouve une place centrale dans la programmation des principaux centres culturels de la péninsule Ibérique, du Levant à Valence aux collections privées de Madrid, Saragosse et Andalousie.

Ce débat revêt une importance particulière à la lumière de l'exposition monographique historique consacrée au créateur almerien Andrés García Ibáñez au siège de la Fondation Bancaja à Valence , ouverte au public jusqu'au 10 janvier 2027. L'exposition représente une étape importante pour l'évaluation technique et financière du réalisme national contemporain.

Un dialogue magistral avec les grands noms de l'histoire de l'art

L'exposition à la Fondation Bancaja réunit plus de 84 œuvres d' Andrés García Ibáñez, réalisées entre 1994 et 2026, couvrant des genres traditionnels tels que le portrait, la nature morte, le paysage et l'allégorie. Elle établit également un dialogue direct entre les compositions de l'artiste, né à Olula del Río ( Almería ), et onze chefs-d'œuvre de figures majeures de la peinture espagnole, parmi lesquelles Francisco de Goya , Joaquín Sorolla , Ignacio Zuloaga , Juan de Valdés Leal et le maître du réalisme contemporain, Antonio López.

Au-delà de ses activités purement artistiques, Andrés García Ibáñez s'est imposé comme une figure majeure de la revitalisation du patrimoine culturel et institutionnel espagnol grâce à son soutien au Musée du Réalisme Espagnol Contemporain (MUREC) d'Almería et à la Fondation d'Art Ibáñez Cosentino . Son parcours témoigne de l'intérêt croissant, sur les marchés de l'art primaire et secondaire, pour la collection d'œuvres figuratives de grande qualité, d'une facture méticuleuse.

2027-01-10

Les chantiers navals de Valence célèbrent la liberté créative de Miguel Ángel Campano

La ville de Valence renoue avec l'œuvre du maître Miguel Ángel Campano (1948-2018), lauréat du Prix national des arts visuels en 1996 et figure majeure du renouveau de la peinture espagnole contemporaine. L'exposition, présentée dans le cadre historique exceptionnel des Chantiers navals royaux d'El Grao , rassemble une sélection rigoureuse de toiles, d'esquisses, d'écrits et de carnets de croquis témoignant de plus de quarante ans d'expérimentation visuelle continue.

Un dialogue entre figuration et abstraction, sous le commissariat de Carles Taché

Organisée conjointement par la Fondation Chirivella Soriano et la Mairie de Valence , l'exposition est conçue par le galeriste et expert en art Carles Taché . Elle s'éloigne de la scénographie linéaire traditionnelle pour privilégier un dialogue reliant les différentes étapes du parcours de l'artiste : de ses premiers liens formateurs avec Valence à ses séries sur papier plus gestuelles, géométriques et expérimentales.

Dans le paysage du collectionnisme d'art espagnol et de l'historiographie de la peinture des années 1980 – une génération partagée avec des artistes tels que Miquel Barceló et José Manuel Broto – Miguel Ángel Campano se distingue par son indépendance singulière vis-à-vis des diktats du marché de l'art. L'exposition aux Atarazanas del Grao sera ouverte au public à Valence jusqu'au 10 janvier 2027 , s'imposant comme un événement majeur du calendrier muséal national.

2027-01-10

Le musée du Prado expose à Madrid des œuvres inédites de Ricardo de Madrazo.

Le musée du Prado à Madrid présente l'exposition « Ricardo de Madrazo (1852-1917) : Dessins et aquarelles », une exposition inédite consacrée aux œuvres sur papier du benjamin d'une des dynasties les plus influentes de l'art espagnol du XIXe siècle. Installée dans la salle 60 du bâtiment Villanueva, dans le cadre du programme Open Warehouse , l'exposition est ouverte au public jusqu'au 17 janvier 2027.

Une maîtrise technique éclipsée par l'environnement familial

Organisée par le commissaire d'exposition Pedro José Martínez Plaza , l'exposition retrace près d'un demi-siècle de la carrière artistique de Ricardo de Madrazo à travers ses carnets de croquis, ses études préparatoires, ses aquarelles et un autoportrait. Bien qu'appartenant à une lignée artistique majeure aux côtés de son père, Federico de Madrazo , de son frère, Raimundo de Madrazo , et de son beau-frère , Mariano Fortuny y Marsal , Ricardo de Madrazo est resté longtemps dans l'ombre de l'historiographie académique. L'exposition met en lumière sa maîtrise technique du crayon, de la plume et de l'aquarelle, perfectionnée lors de son apprentissage auprès de Fortuny.

Carnets de voyage et d'études des grands maîtres

Grâce à la politique d'acquisitions mise en place par le musée du Prado entre 2006 et 2026, 29 carnets de croquis de l'artiste témoignent de ses voyages artistiques à Tanger , Grenade , Rome et Venise , ainsi que des copies d'œuvres de maîtres universels tels que Diego Velázquez, réalisées au sein même du musée. Selon Alfonso Palacio , directeur adjoint de la conservation et de la recherche au Prado, il s'agit d'une occasion exceptionnelle de redécouvrir des pièces quasi inconnues, essentielles à la compréhension de l'histoire de l'art et du collectionnisme historique en Espagne.

2027-01-17

Rétrospective de Ghada Amer à Es Baluard : trois décennies de subversion sculpturale et textile

Le musée d'art contemporain Es Baluard de Palma accueille l'ambitieuse exposition monographique « Ghada Amer. Sculpture depuis 1991 », ouverte au public du 18 septembre 2026 au 31 janvier 2027 dans la capitale des Baléares. Sous le commissariat de Clara Garau et David Barro , cette exposition explore plus de trente ans de travail de la célèbre artiste d'origine égyptienne Ghada Amer , mettant en lumière l'évolution tridimensionnelle de sa production, des peintures brodées aux sculptures monumentales en bronze, en passant par la céramique et les installations éphémères.

Un langage tridimensionnel entre céramique locale et broderie politique

Célèbre pour avoir subverti le langage traditionnel de la broderie – historiquement associé aux tâches ménagères féminines – afin d'aborder des thèmes tels que le désir, la sexualité, le langage et l'identité, Ghada Amer présente à Palma une œuvre d'une maîtrise technique et conceptuelle exceptionnelle. L'exposition rassemble des pièces maîtresses de son catalogue, comme Cinq femmes au travail (1991), Chambres privées (1998), Encyclopédie du plaisir (2001) et la célèbre structure sphérique Cent mots d'amour , qui a marqué sa consécration dans le domaine de la sculpture vers 2010.

Parmi les nouveautés majeures du circuit espagnol figure une collection de sculptures en céramique inédites, créées entre 2025 et 2026 en collaboration avec l'artisan Miquel Tomàs dans l'atelier de Pere Coll à Portol, à Majorque. L'exposition dialogue également avec l'architecture du centre culturel grâce à trois installations hydrauliques conçues spécifiquement pour les terrasses du musée, établissant un lien entre l'eau et la mémoire historique du paysage méditerranéen.

Impact sur le marché international et le contexte institutionnel

Née au Caire en 1963 et formée à Nice et à New York, l'œuvre de Ghada Amer est régulièrement présente dans les grandes ventes aux enchères internationales et figure dans des collections publiques prestigieuses telles que le Centre Pompidou à Paris, le Brooklyn Museum et le Guggenheim Abu Dhabi . La reconnaissance de son travail en Espagne – où ses interventions publiques, comme « This Will Save Us », ont été présentées à Valence et à Bilbao – confirme la place prépondérante des pratiques féministes et interdisciplinaires sur le marché de l'art contemporain.

Cette reconnaissance des récits qui déconstruisent les stéréotypes de genre coïncide dans le paysage culturel espagnol avec le récent Prix national des arts visuels décerné à la créatrice sévillane Pilar Albarracín , démontrant l'intérêt constant des collectionneurs et institutions spécialisés pour les artistes qui combinent ironie critique, performance et réinterprétation des métiers artisanaux.

2027-01-31

Image : Musée du Centre national d’art Reina Sofía

Le Musée Reina Sofía présente la plus grande rétrospective de Fernanda Laguna à Madrid

Le Musée du Centre national d'art Reina Sofía de Madrid accueillera l'exposition « Mon cœur est un aimant » du 3 mars au 12 juillet 2027. Il s'agit de la plus importante rétrospective à ce jour consacrée à l'œuvre de l'artiste, poétesse et militante argentine Fernanda Laguna (Hurlingham, 1972). Co-organisée en collaboration avec le Musée d'art latino-américain de Buenos Aires (MALBA) et sous le commissariat de Miguel A. López et Mariano Mayer , l'exposition occupera le rez-de-chaussée du bâtiment Nouvel et offrira un panorama complet de plus de trente ans de sa carrière artistique.

Une pratique indisciplinée qui remet en question les canons du marché de l'art

Depuis ses premières œuvres en 1992, la production de Fernanda Laguna se caractérise par un brouillage des frontières entre arts visuels, littérature, militantisme féministe et autogestion d'espaces alternatifs. L'exposition réunit un ensemble multidisciplinaire d'œuvres comprenant peintures, dessins, collages, broderies, sculptures, installations et pièces audiovisuelles, accompagnées de ses carnets de croquis emblématiques, de ses recueils de poésie, de ses romans et de ses archives photographiques personnelles.

Laguna a joué un rôle central dans la fondation, à la fin des années 1990, de l'espace alternatif et maison d'édition légendaire Belleza y Felicidad , véritable carrefour de la scène artistique de Buenos Aires. Belleza y Felicidad a décentralisé les circuits de validation traditionnels et favorisé l'émergence de réseaux affectifs et communautaires. Sa démarche déconstruit la solennité de l'art contemporain formaliste, plaçant l'affectivité, le jeu et le quotidien au cœur de sa démarche comme outils de transformation politique et pédagogique.

Impact sur les collections et les institutions en Espagne

L’arrivée de cette rétrospective dans la capitale espagnole confirme l’intérêt institutionnel et la pertinence constants portés aux généalogies de l’art latino-américain du XXIe siècle, reliant ainsi la scène artistique madrilène aux tendances internationales en matière de recherche curatoriale et à la valorisation des archives féministes. Pour l’écosystème de l’art contemporain et du collectionnisme en Espagne , ce projet réaffirme l’importance d’intégrer les langages hybrides et les dynamiques communautaires au sein des grandes collections publiques et privées.

2027-03-03

Le musée Reina Sofía analyse les préjugés coloniaux de l'image avec l'artiste Eli Cortiñas

Le Musée du Centre national d'art Reina Sofía de Madrid présente l'exposition « La Machine rêve de fumée » , un projet ambitieux de l'artiste canarien Eli Cortiñas (Las Palmas de Gran Canaria, 1979), dans l'Espace 1 du bâtiment Sabatini . Ouverte au public du 23 septembre 2026 au 8 mars 2027 , l'exposition s'inscrit dans la continuité des recherches du musée sur le cinéma d'exposition et l'art vidéo contemporain.

Examen et critique d'un recueil d'algorithmes contemporains

L'exposition trouve son origine dans l'invitation officielle adressée par l'institution publique à Eli Cortiñas à revisiter et à développer son installation vidéo à trois canaux, « The Most Given of Givens » (2016), une œuvre majeure récemment acquise pour la collection du musée Reina Sofía . Grâce à un travail d'archives minutieux utilisant la technique du found footage , l'artiste juxtapose des extraits de films d'aventure commerciaux à des fragments ethnographiques afin de révéler les mécanismes coloniaux qui ont façonné la vision occidentale de l'Afrique au cours du XXe siècle.

L’artiste a également conçu une scénographie sculpturale et spatiale pour l’antichambre, réalisée à l’aide d’outils d’intelligence artificielle et d’archives commerciales. Cette intervention interroge la neutralité supposée des algorithmes et la lenteur des processus de restitution du patrimoine dans les musées européens, et constitue un point de rencontre essentiel pour le débat sur le collectionnisme contemporain, le commissariat d’exposition critique et l’investissement dans les nouveaux médias en Espagne.

2027-03-08

La Banque d'Espagne revisite son patrimoine textile en dialogue avec la création contemporaine.

La salle d'exposition de la Banque d'Espagne , située sur la Plaza de Cibeles à Madrid , accueille l'exposition « Le Plan Flexible : La Collection Textile de la Banque d'Espagne », ouverte au public jusqu'au 28 mars 2027. Organisée par Yolanda Romero , conservatrice à la banque centrale, l'exposition rassemble près de cinquante pièces allant du XVIIe siècle à l'art contemporain du XXIe siècle, réinterprétant l'artisanat de la tapisserie et du tissage comme une discipline qui sous-tend l'architecture et la mémoire collective.

D'Anni Albers à l'avant-garde contemporaine de l'art textile

L'exposition s'appuie sur l'essai * Le Plan Pliable : Le Textile en Architecture* (1957) d' Anni Albers , artiste et tisserande de renom du Bauhaus . Elle défend l'idée que le textile n'est pas un simple ornement somptueux, mais un dispositif architectural et politique capable de moduler la lumière, de réguler l'acoustique et d'articuler l'espace institutionnel et domestique.

L'exposition se divise en deux sections principales. La première explore les collections historiques de la Banque d'Espagne , mettant en lumière des tapisseries et des tapis baroques et classiques réalisés par la Manufacture royale de tapisseries et de prestigieux ateliers flamands et internationaux, tels que ceux de Geraert Peemans , Urbanus Leyniers et Jacques Neilson . Ces pièces, destinées à l'origine à orner les salles officielles, reflètent la valeur symbolique et la représentation du pouvoir de l'institution bancaire.

Féminisme, travail et expérimentation critique dans la création contemporaine

La deuxième section de l'exposition explore la réinterprétation contemporaine du textile comme médium d'investigation sociale, politique et de genre. À travers les œuvres d'artistes de renommée internationale et nationale telles que Teresa Lanceta , Esther Ferrer , Elena del Rivero , Narelle Jubelin , Elo Vega , Yto Barrada , Patricia Esquivias , Mercedes Azpilicueta et Dora García , le fil et le tissage se transforment en outils conceptuels de réflexion sur la division du travail, le féminisme, la valeur du travail artisanal et la mémoire collective.

Cette exposition renforce la diffusion du patrimoine historique et du marché de l'art contemporain en Espagne , plaçant la collection institutionnelle au cœur d'un dialogue critique entre l'histoire de l'art classique et les récits d'avant-garde.

2027-03-28